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MIRADAS Y PATRIMONIO febrero 11, 2009

Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 3:26 am

Éste es un artículo escrito por Jose Pedro Aznárez López en 1989, en él nos cuenta un viaje que hizo a Venecia y que cúando llegó se dió cuenta que tenía un imaginario muy diferente de lo que la realidad mostraba.

Todo el imaginario que había creado durante años, por lo que le contaban, por lo que veía, se quedó en nada cuando vió la realidad.

En definitiva, hay que crear los propios imaginarios, nuestras propias ideas de patrimonio para que cuando tengamos delante la realidad podamos sacar nuestras propias decisiones.

Tambien habla que la realidad en las escuelas es una simplificación de la realidad, esto le beneficia a los políticos.

El patrimonio no es únicamente un testimonio del pasado. Nosotros no construimos nuestra realidad, sino los políticos nos han creado esa realidad.

¿Quién decide que és patrimonio?

– Hasta el s.XX no ha habido patrimonio.

Esas leyes dicen lo que és patrimonio o no. Esto lo rigen los políticos.

El patrimonio hay que verlo con mirada crítica. “Debemos enseñar a pensar críticamente”.

PATRIMONIO COMO ELECCIÓN HECHA POR ALGUIEN

Hay patrimonio que no se ha seleccionado. Lo seleccionado es las catedrales, castillos,… (lo que representa el poder) y dónde está lo que representa al pueblo.

Hay que investigar el patrimonio, no quedarse con lo que nos cuentan.

Las obras y esculturas que están denominadas patrimonio tienen éstas características:

  • Poliédricas.
  • Un ser social.
  • De sentido cambiante.
  • De valor inestable.
  • Mediadora.
  • Facilitadora de interpretaciones.

Éstas estan negadas por el arte tradiccional.

POLIÉDRICAS: Debemos intentar ver cada vez más caras ya que es mejor porque con una cara no puedo ver la realida.

OBRAS SERES SOCIALES: Están dominadas por los políticos ya que ellos deciden lo que es patrimonio y lo que pasará a la historia como tal. Todo esto influirá en las personas.

CAMBIANTES: El patrimonio puede ir cambiando según en la época, ya que las personas tambien van cambiando su forma de pensar.

INESTABLES: Las obras tienen valor ecómico y sentimental por ello a medida que avanza los años ésto puede ir cambiando.

MEDIADORAS: Éstas obras nos van a servir como modelos ya que a través e ellas vamos a aprender. Por tanto también vamos a tender a imitarlas y eso es un poco peligroso.

INTERPRETATIVAS: Esto quiere decir en definitiva que cada uno tras ver las obras va a sacar su propia conclusión.

 

ESCUELA Y PERSONAS

Como hemos dicho anteriormente hay que enseñar a los niños a construir su mundo y lograr que vean al patrimonio como algo fascinante y que ellos mismos pueden construir.

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TEMA 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y campo visual.

Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 2:55 am

1.- ELEMENTOS DE LA FORMA

– PUNTO

La figura que vemos a continuación está formada por puntos:

ilusion-optica-puntos

 

– LÍNEA.

Tipos de línea:

– La línea es una sucesión de puntos

– Rectas

 Horizontal:

dibujo3

Vertical:

dibujo

Diagonal:

dibujo2

Quebrada:

dibujo4

– Curvas:

Abiertas:

dibujo5

Cerradas:

dibujo6

Mixtas:

dibujo7

 

Las líneas rectas las encontramos en todas las imágenes aunque no las veamos. Un ejemplo de esto figuras en las siguientes imágenes:

4243526p1150014

 

cielo_y_mar_01

 

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Líneas curvas: dinamismo.

Los siguientes dibujos están formados por líneas curvas:

curvas

pescadete_1

 

Contraste entre líneas horizontales y verticales:

Las siguientes imágenes que muestro a continuación, posee un contraste entre líneas horizontales y verticales.

FotoCD27

 

viaje-valencia-ciudad-artes-y-ciencias-oceanografic

Concepto de eje sentido:

Establecemos inconscientemente una especie de “eje” vertical sobre cada forma. Le llamamos eje sentido.

En las figuras que vienen a continuación veremos aplicado el eje sentido a algunas figuras:

dcsd

efds

 

 

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20070926klpmatgeo_206_ges_sco

 

El eje sentido nos permite comprender cómo las formas se alejan de lo vertical y adquieren dinamismo, tension, etc.

También percibimos el equilibrio de nuestros cuerpos con respecto al eje sentido.

artemision

 

RITMOS INTERNOS. REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO

Podemos definir como ritmo interno a las líneas (imaginarias) que resumen la estructura y el dinammismo de una forma:

encogida

 

y1pd1bdi-elrduzhlz3iptshad9oalcowypkihuxt3zufqksr6kkardlqgez-_nc-utwszacc9zux4

 

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El ritmo interno es responsable de la sensación dinámica de las formas, de su sensación de movimiento.

Cuanto más dinámico sea el ritmo interno de las figuras, o la forma en que parecen estar inscritas, más dinámica será la obra.

Posturas simultáneas: Varias fases de movimiento:

bernini_david

 

Líneas cinéticas, estelas y rastros.

dibujos-batman-2b

 

pato_donald1

 

comic20rafagas202701991

 

Planos y figuras

– Plano= Sucesión de líneas. Pueden ser: Rectos, curvos o alabeados y mixtos.

– Figuras regulares:

Cuadrados y rectángulos.

cuadradorectang

Triángulos: equilátero, isósceles, escaleno.

equilat2isoscelestriangle4o4c5zp43rq2v64c

Círculos: elipses, óvalos, ovoides, etc.

elipseovaloovoide

 

Otras: Hexágonos, heptágonos…trapecios, rombos, etc.

mub1rp1w78hlqpfx                    heptagono

 

eltrapecioromboe2

 

Dinámica de las formas: rectángulo. Carácter estático y equilibrio. Poca o ninguna tensión: predominio de las dimensiones verticales y horizontales.

 

rect

El rectángulo horizontal tiene un predominio de las horizontales sobre las verticales, por lo que es aún más reposado que el otro.

Formato horizontal: Cuadro de Velázquez (La rendición de Breda)

26557_41

 

Formato vertical: Cuadro de Velázquez (Las Meninas)

1656_velazquez_meninas1

Dinámica de las formas. Un caso especial: El rectángulo áureo.

rectangulo_aureo

Expresado matemáticamente:

dsfgds

A esta razón, que cumple la propiedad, se le denomina razón áurea o número dorado.

c: número áureo (1,61803399…)

b: sección áurea (0,61803399…)

a: unidad (1)

Imágenes en las cuales esta introducido el rectángulo áureo.

joconde

 

aureo

Dinámica de las formas: cuadrado.

Carácter equilibrado. Pero posee tensión interna. Al ser los cuartro lados idénticos, sin que ninguno destaque, se produce tensión visual entre ellos.

cuadrado2

FORMATO CUADRADO:

imagemagic

DINÁMICA DE LAS FORMAS: CÍRCULO.

Carácter muy dinámico: es una curva cerrada que produce un movimiento sin fin. Pero es equilibrado, pues establemcemos rápidamente su eje vertical.

circulo2

“TONDO” (FORMATO CIRCULAR)

imagen5

madonnasilla

DINÁMICA DE LAS FORMAS: CURVAS CERRADAS

elipse21                           elipse3

Cuadro con curvas cerradas: Retrato.

cuadromartielipse1

 

DINÁMICA DE LAS FORMAS: TRIÁNGULOS

Tres tipos elementales de triángulo:

1. Equilatero: Todos los lados iguales

equilat3

2. Isósceles: Dos lados iguales y otro diferente.

isoscelestriangle1

3. Escaleno: Ningún lado es igual.

4o4c5zp43rq2v64c1

DINÁMICA DE LAS FORMAS: TRIÁNGULO EQUILÁTERO

– Equilibrio total: Eje sentido central y simétrico. Si está apoyado sobre uno de los lados, el equilibrio es muy firme.

– Cierto dinamismo (forma de flecha)

equilat21        equilat31

Fotografía en la que aparece un triangulo equilátero:

piramide_de_keops

DINÁMICA DEL AS FORMAS: TRIÁNGULOS

Cuando los triángulos no apoyan ningún lado sobre la horizontal sean equiláteros, isósceles o escaleno, se incrementa su tensión y pueden perder el equilibrio. Lo mismo ocurre con cualquier otra figura.

Conclusión: Dependiendo de su tipología y de la posición de su eje, las formas nos parecen más o menos dinámicas y equilibradas.

Las formas ademñas pueden ser influidas en su dinamismo por el color, ubicación en el campo visual o gráfico, etc.

 

2.- EL COLOR

Color: Dimensiones del color.

– Matiz o croma: El color como tal: verde, rojo, azul, etc.

colore

– Saturación: Pureza del color (de la pureza total al agrisamiento)

saturacion

– Brillo: Tono de la imagen (de la luz a la oscuridad).

brillo

Color:

– Primarios luz (la suma da la luz blanca)

Verde, azul y rojo.

colores

– Primarios materia (suma de gris muy oscuro)

Amarillo, cyan y magenta

– Secundarios materia (suma de 2 primarios)

Verde, naranja y violeta.

COLORES FRÍOS Y CÁLIDOS

tipos_6

Los colores cálidos dan sensación de actividad, de alegría, de dinamismo, de confianza y amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y la púrpura en menor medida.

Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de seriedad, de distanciamiento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, aqua, y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.

COLORES TERCIARIOS

  • Rojo Violaceo
  • Rojo Anaranjado
  • Amarillo Anaranjado
  • Amarillo Verdoso
  • Azúl Verdoso
  • Azúl Violáceo
  • – Mezcla de los secundarios entre sí.

    – Cuando mezclamos dos colores secundarios que contienen un mismo primario resulta un color terciario en el que domina el primario común.

    VALOR PERCEPTIVO DE LOS COLORES

    – Cálidos: Normalmnete se ven m´´as grandes y más cerca. Se “expanden”.

    Los siguientes cuadros y dibujos están pintados con colores cálidos:

    18719204325

     

    dibujodfdf1

    – Fríos: Normalmente tienden a verse mñas pequeños y más lejos. Normalmente se “contraes”

    Los siguientes cuadros y dibujos están pintados con colores fríos:

    winter20evening2020200081

     

    dibujodsfdsf

    Interacción del color: Colores complementarios.

    Amarillo + Azul = Verde

    Rojo + Amarillo = Naranja

    Rojo + Azul = Violeta

    Cada color primario tiene un complementario, que es el que se hace mezclando los otros dos primarios.

    Cada color secundario tiene un complementario, que es el primario que no interviene en su mezcla.

     

    CONTRASTE SIMULTÁNEO DE COLORES

    contraste

    – Cuando están unos junto a otros, los colores interaccionan entre sí.

    – Si están próximos dos complementarios se refuerzan mutuamente. Lo mismo ocurre con colores muy diferentes, o con grados de saturación o brillo distintos.

    – Cuando están juntos dos colores próximos en el círculo cromático, suelen competir anulándose y distorsionando nuestra percepción del matiz.

     

    Los colores cálidos tienden a verso como llenos de luz, en cambio los fríos suelen relacionarse con la sombra.

    ARMONÍAS ELEMENTALES

    – Tonales; predominio de un color: todos tienen un poco de ese color.

    El siguiente cuadro muestra un predominio de tonos cálidos.

    flores_con_espatula_webc1-400x284

    – De contraste: los colores son complementarios y se equilibran entre sí.

    El siguiente dibujo muestra un predomino de colores complementarios.

    dibujo_colores

    – Basadas en combinaciones: Por ejemplo pares de complementarios.

    contraste3

    Amarillo y violeta denominan el anterior dibujo.

    – Juegos blanco y negro:

    451261370_b92fd5d627_o

    – Los colores transmiten sensaciones y significados:

    Los colores pueden operar sobre nuestra percepción y nuestro ánimo. No sólo nos llama más la  atención el rojo que el azul, sino que una habitación pintada de rojo nos resultará menos tranquilizadora que una de azul.

    Además los colores suelen tener asocidados significados simbólicos. Esto es cultural, depende a cada cultura.

    – VALOR PSICOLÓGICO DEL COLOR:

    Las señales de tráfoco tienen cada una un colo en concreto de vido a una causa justificada. Como el rojo se ve antes y llama la atención, es el elegido como color de stop en el semáforo, o para las señales de peligro/prohibido.

     

          st2051                                   semaforo                                                               

     

    – VALOR SIMBÓLICO DEL COLOR

    2522

    Cada cultura atribuye un valor simbólico a sus colores. Un ejemplo, es la imagen anterior de una viuda que la vemos vestida de negro como suele ser habitual.

    3.- PESO VISUAL

    Es la capacidad que tiene un elemento visual para captar la atención del espectador.

    Factores que influyen en el peso visual:

    – Forma:

    Lo vertical parece pesar más que lo horizontal.

    rect1

    Las formas regulares tienden a poseer más peso que las irregulares.

    dgh1efds1

    – Tamaño/cantidad

    Tiene habitualmente más peso lo mayor

    aw

    Tiene habitualmente más peso lo que posee mayor número de elementos o es más  complejo.

    mcv

    – Contraste

    Tiende a pesar más lo que presenta mayor contraste.

    jirafa

    – Lo excepcional/ lo especialmente atractivo.

    atardecer20excepcional1

     

    becks

    – Situación en el campo visual o gráfico

    – Ritmo interno/movimiento

    dibujos-bailes

     

    TEMA 5: Visualidad e identidad. Visualidad y narratividad.

    Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 1:56 am

    Las obras de arte y las imágenes no se enseñan sino que se aprende a partir de ella cómo está el mundo.

    • IMAGINARIO. Es muy potente, por eso tenemos que conocer el imaginario social que construyen los niños y las niñas ya que pensará de una u otra manera  según su propio imaginario.

    Para ello vamos a hacer una prueba :

    Si le pedimos que piensen en el infierno…

    6b

    Seguramente no tengan ésta imagen en su imaginario con recpecto a este término.

    Si pensamos en un hecho histórico como por ejemplo el fusilamiento del 2 de mayo….

    34goya-may-third

    Se nos viene ésta imágen a la cabeza, el cuadro de Goya, o incluso sólo escuchar la palabra “fusilamiento” la recuerdas.

    Todo ésto nos demuestra que las imágenes tienen un poder increible y también nos hacen cambiar de opinión con respecto a algo.

    El imaginario nos impide pensar libremente y ser expontáneos.

    El imaginario se alimenta de otros imaginarios.

    galeria-ggonzalez-pintacartel   placa13

    Ante una obra de arte tenemos que tener en cuenta cuando fue creada ya que nuestro imaginario va cambiando a la vez que cambia el mundo que nos rodea. Por tanto no vamos a pensar igual sobre la obra si no nos situamos a la época.

    Los trabajos de nuestros alumnos también van a estar creados por sus  imaginarios. Por tanto podemos saber que imaginario posee cada niño por los dibujos, ya que expresaran lo que tienen en la cabeza, lo que le influye, lo que le gusta, lo que no…

    scan20420            dibujo_37

    Como vemos también influyen en los niños donde viven.

    LA IDENTIDAD ES UNO DE LOS ASPECTOS  FUNDAMENTALES PARA TRABAJAR EN LA ESCUELA

    Es muy importante que los niños se sientan bien consigos mismos y se acepten tal y como son, aunque no tengan las mismas posibilidades que otros niños ya sean porque tienen alguna discapacidad o algún problema.

    Por esta razón es bueno reforzar su autoestima haciéndo trabajos manuales, en los cuales se sientan agusto, cómodos y sobre todo muy importante que se siéntan satisfechos con el resultado obtenido.

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    En la imágen siguiente aparece una mujer insinuándo, provocando,…
    sin-tanga
    Ésta imágen situa al hombre como agresivo, impaciente,… pero tambien situa mal a la mayoría de las mujeres ya que según este modelo las mujeres somos provocadoras, atrevidas, fáciles,…
    Esta imágen hace que el hombre se cree un imaginario equivocado con la mujer y piensen que sólo son objetos sexuales.
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    lenceria_seductora_exquisita
    Aqui lo que menos cuenta es la inteligencia sino el poder.
    Los hombres y las mujeres no tienen tampoco el mismo imaginario, ya que también han tenido una educación muy diferente el hombre siempre verá a una mujer como un objeto sexual y la mujer en cambio idealizará al hombre.
     Todo ésto creo un debate en clase sobre que las mujeres de hoy día son mucho más atrevidas y lanzadas que los hombres sobre todo las niñas de 12, 13 años, que deberían estar pensando en otras cosas sólo piensan en lo que piensan en tontear con lo niños.
    Casi toda la clase estuvo de acuerdo ya que la mayoría habían presenciado alguna escena o escuchado algo sobre ése tema “La juventud sólo piensa en la sexualidad”. 

     

    TEMA 4: ¿Por qué existen las imágenes? - Sociedad del espectáculo febrero 10, 2009

    Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 11:55 pm

    Esta cuestión la debatimos en clase, haciendo grupos  y luego uno de cada grupo decía las respuestas.

    Éstas fueron algunas:

     – Representar la realidad

    Conocer cosas que no hemos visto

    – Expresar y expresarse sentimientos, emociones, etc.

    – Recordar

    – Comprender realidad y relacionar cosas entre si

    – Comunicarnos

    – Explicar sin palabras

    – Convencer

    – Informar

    – Situarnos en el tiempo

    – Dar vida a las cosas

    – Dar color y sensaciones

    – Diferentes puntos de vista

    – Ayudan a las explicaciones

    – Decorativas

    – Una imagen dice mas que mil palabras

    – Momentos únicos

    – Observar el estilo de los demás

    – Conocer que nos transmite

    No da igual que existan las imágenes ya que nos sirven para saber muchas cosas que desconocemos.

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    Las imágenes cambian nuestra manera de ver, de pensar, de hablar, hasta de reir.

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    A través de las imágenes construimos nuestra visión del mundo.
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    1.- HACIA HACE ALGO DE MÁS DE UN SIGLO, LAS IMÁGENES ERAN BIENES RELATIVAMENTE ESCASOS QUE SE UTILIZABAN CON FINES PRECISOS.
     
    Antigüamente las imágenes eran escasas y caras. La gente iba al fotógrafo en ocasiones señaladas como las bodas, la mili,…es decir, tenían un fín.
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    TÉCNICA DE CERÁMICA, TEJIDO, GRABADO…
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    LLEGA LA IMPRENTA
    Los libros cada vez son más numerosos pero el problema es que la mayoría de la población aún no saben leer.
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    En definitiva antigüamente la mayoría de la población no tenían acceso a las imágenes, salvo en las iglesias o en celebraciones.
     2.- HACIA LA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO. lA REVOLUCIÓN TECNOLÓGICA Y DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN EN LOS SIGLOS XIX Y XX.
    • EL GRAN CAMBIO EN LA PRODUCCIÓN DE IMÁGENES FUERON LOS MEDIOS FOTOGRÁFICOS Y SUS DERIVADOS.

    Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron vinculadas, dado que

    toda producción de imágenes –desde las imágenes pintadas con carbón y tierra en las cuevas de

    Altamira hasta las imágenes digitales, pasando por la fotografía, el cine y el video-, supone una

    tecnología de producción, es decir: una técnica, una serie de instrumentos y de procedimientos,

    ciertas condiciones de eficacia, una habilidad, un saber. Sin embargo, la relación entre arte, ciencia

    y tecnología ha ido fluctuando a lo largo de la historia del arte.

    registro o documentación. Surgen los fotomontajes dadaístas. Man Ray y Mohogoly-Nagy comienzan
    registro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la fotografía y del cine,

    digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías. Actualmente el

    La invención y el desarrollo de la fotografía a mediados del S XIX, representó uno de

     

    sin20tedtulo-1   worldfirstphotographnicephoreniepcees6

    En un comienzo, los pintores tomaban fotografías como modelos para pintar, pero cuestionaban elestatuto artístico de la fotografía por el hecho de que no implicaba un trabajo manual sobre lamateria. Recién en las primeras décadas del siglo XX, artistas pertenecientes a las vanguardiashistóricas, comienzan a valorar la fotografía como material artístico en sí y no simplemente comoregistro o documentación. Surgen los fotomontajes dadaístas. Man Ray y Mohogoly-Nagy comienzana realizar fotografía artística y trabajan con sobreimpresiones y montaje. Es decir, manipulan elmaterial fotográfico con fines artísticos.

     

     

     

     

     

     

     

     

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    Luego será empleada también como medio para registrar y documentar performances, happengins, y obras de arte conceptual. Actualmente la fotografía ocupa un lugar central en el campo de las artes visuales y son múltiples los usos y propuestas estéticas que emplean esta técnica.

    La primera cámara Kodak apareció en 1888 y se popularizó por todas las clases sociales.

     

     

    El cine, nacido a fines del siglo XIX, al incorporar la imagen en movimiento, revolucionó todos losmodos anteriores de producción de imágenes y comunicación trayendo un nuevo espíritu deexperimentación en el arte. Por otra parte, incrementó la ilusión realista de la fotografía e incorporóuna nueva dimensión espacio/temporal ya que, mientras que en la foto la imagen se hace materia,la imagen proyectada es impalpable y fugaz.

     

     

     

     

     

     

    chaplin-2En la década del ’50 la televisión ya se había convertido en un medio de comunicación de masas,llevando las imágenes en movimiento a los hogares. La imagen televisiva es una señal eléctrica enla que están registrados los trazos luminosos de lo real, invisibles para el ojo antes de su emisión.La posibilidad de realizar transmisiones televisivas en vivo elimina la distancia temporal entre elregistro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la fotografía y del cine,ya que se trata del registro de imágenes fijadas a un soporte por procedimientos químicos, cuyomovimiento se consigue por medios mecánicos. La creación y registro de la imagen de televisión yde video se efectúa, en cambio, por procedimientos electromagnéticos.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    AX040651En la segunda mitad del siglo XX, a partir de la revolución electrónica, el desarrollo de los mediosdigitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías. Actualmente eluso de las computadoras y de Internet como instrumento para la creación, reproducción ydifusión de la expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas tecnologías.

    Los mayores logros técnicos y culturales del siglo. La cámara fotográfica fue el primer dispositivotecnológico del que se apropiaron los artistas.ordenador-olimpico-de-lenovo      victoria2021

     
     
     
     
     
     
     
     
     

     

     

    La importancia de las imágenes fotográficas en nuestras vidas.

     

    Es fácil olvidarse de que la primera fotografía fue tomada hace apenas 180 años.
    La fotografía era probablemente una invención inevitable – los sorprendente es que tardara tanto en desarrollarse, especialmente cuando los principios científicos que son responsables de la misma – principios físicos tales como los estudios sobre lentes o la óptica y los procesos químicos que se necesitan para fijar permanentemente una imagen, se conocían mucho antes de la invención de la primera fotografía.
    El desarrollo de la fotografía fue muy rápido: Desde que Niépce tomó la primera fotografía del mundo en 1826, solo hicieron falta unos 30 años para que la fotografía se convirtiera en un producto para la consumición generalizada con la introducción de las rajetas de visita. ¡Y poco después, las cámaras fotográficas se modificaron para ayudar a los detectives privados a documentar los affaires de esposos infieles!
    Dejemos esta pequeña introducción – echemos una ojeada a algunos hechos curiosos sobre las famosas y “primeras” fotos del desarrollo inicial de la fotografía, de las cámaras fotográficas extrañas, y más:
    La cámara oscura
     
     
     

     

     

     

     

     

     estenopeica

     

    Antes de que hablemos del nacimiento de la fotografía moderna, hablemos un poco sobre una técnica antigua que sirvió como precursor – llamadlo , “proto-fotografía” si queréis.
    Este dispositivo se llama “Camera obscura” (del latin “habitación oscura”). Es literalmente un cuarto oscuro o una caja con un agujero pequeño en una pared. En ella, una imagen invertida fuera del agujero aparecería en la pared opuesta. Este dispositivo se podría utilizar así para ayudar al dibujo (el artista podría repasar el contorno de la imagen en una lona colgada en la pared) y era considerado absolutamente significativo en el desarrollo de la proto-fotografía.
    La invención de la cámara oscura fue atribuida a un matemático islámico, astrónomo, y físico llamado Ibn al-Haitham, más conocido como Alhazen, en el siglo XI en Egipto. Sin embargo, el principio de la cámara oscura era conocido probablemente por los pensadores desde Aristoteles (300 D.C.).
    La Cámara oscura era conocida extensamente por los científicos antiguos: Roger Bacon, Leonardo da Vinci, Johannes Kepler, y Athanasius Kircher escribieron sobre este dispositivo óptico.
    Giphantie: Predicción de la invención de la fotografía
     
     

     

     

     

     

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    En 1760, décadas antes de la invención de la fotografía, el autor francés Charles-François Tiphaigne de La Roche predijo su invención.
    ¡En una historia titulada Giphantie (sí, un anagrama de su nombre), Tiphaigne de La Roche escribió sobre una raza de superhombres secretos en un país de las maravillas imaginario que podría fijar una imagen reflejada sobre una lona cubierta con una sustancia pegajosa!
    Primera fotografía del mundo
    worldfirstphotographnicephoreniepcees61
     
     
     

     

     

     

     

    La imagen difuminada de arriba se considera la primera fotografía del mundo, titulada “de la ventana en Le Gras” (circa 1826), tomada y desarrollada por el Fotografo pionero francés Josephé Nicéphore Niépce. Él lo llamó “heliografia” o “dibujo del sol” – era ciertamente un proceso largo: el tiempo de la exposición era cerca de 8 horas.
    Primer Daguerrotipo del mundo
     
     
     
     
     

     

    firstdaguerreotypers8

    Aunque el daguerrotipo no fue el primer proceso fotográfico que se inventó, fue el primer proceso comercialmente viable (técnicas anteriores requirieron horas y horas de exposición y por lo tanto no eran convenientes para tomar fotos de personas).
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    Esta técnica fue desarrollada por el químico francés Louis Daguerre, con la colaboración de Niépce (véase arriba). El daguerrotipo de arriba, titulado “L’Atelier de l’artiste” (taller del artista) es probablemente el primer daguerreotype del mundo, realizado en 1837.
    En 1839, el Gobierno Francés adquirió la patente francesa del Daguerrotipo y se anuncio la invención como “un regalo libremente al mundo” – pero simultáneamente, Daguerre había adquirido patentes en el exterior, donde él controló rigurosamente el uso del daguerrotipo.
    Y como ocurre con cualquier tecnología, los primeros usos resultaron ser fotografías eróticas…!
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    Posar para un daguerrotipo no era fácil: ¡porque el tiempo de exposición era cerca de 15 minutos, y la cabeza del fotografiado solía apoyarse en una una abrazadera!
    Primer retrato humano del mundo
     
     
     
     
     

     

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    En 1839, Roberto Cornelius, químico holandés que había emigrado a Philadelphia, se hizo un retrato de él junto a la tienda familiar, haciendo historia: ¡él hizo la primera fotografía humana del mundo!

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    Estás mirando a Dorothy Catherine Draper, hermana del profesor John Draper de NYU y modelo para el primer retrato daguerrotipo de una mujer en los Estados Unidos en 1839. ¡Ella era la primera mujer que se fotografiaó con los ojos abiertos!
    Las primeras tentativas americanas para repetir los experimentos fotográficos del francés Louis Daguerre se realizaron en NYU en 1839. John W. Draper, profesor de química, construyó su propia cámara fotográfica e hizo la que puede ser el primer retrato humano tomado en los Estados Unidos, después de una exposición de unos 65 segundos. El modelo, su hermana Dorothy Catherine Draper, tenía su cara pulverizada con harina en una tentativa temprana de acentuar contrastes.
    El hombre que acuñó “fotografía”
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    También en 1839, el término “fotografía” fue acuñado por sir John Frederick Guillermo Herschel, matemático y astrónomo británico (nota lateral: su padre, sir Frederick Guillermo Herschel, también astrónomo famoso, descubrió el planeta Urano!)
    Herschel también acuñó los términos “negativo” y “positivo” en el contexto de la fotografía, y también de la “foto vernácula.”
    La estereoscopía
     
     
     
     

     

     

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    El principio de la estereoscopía (o de la foto 3D) precedió realmente al de la fotografía – fue descrito al comienzo del s. XVI por Giambattista della Porta.
    Las imagenes estereoscopicas tradicionales se componen de dos imágenes en 2-D – cada una representa una perspectiva levemente distinta del mismo objeto, creando la sensación de profundidad y engaña al cerebro para que la considere una imagen tridimensional.
    La invención del daguerrotipo despertó interés en la estereoscopía en la era Victoriana.
    Primer Fotomontaje del mundo
     
     
     

     

     

     

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    En 1858, Henry Peach Robinson hizo el primer fotomontaje del mundo, combinando varios negativos para formar una sola imagen.
    El primer (y más famoso) fotomontaje llamada “Fading Away”, está compuesta con cinco negativos. Representa la muerte de la muchacha por tuberculosis, y fué absolutamente polémica debido al siniestro tema de la foto.
    La Foto aérea más antigua que ha sobrevivido
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    La primera foto aérea fue tomada por Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar, en 1858, usando un globo atado sobre el valle de Bievre, Francia.
    Desafortunadamente, las fotos aéreas de Nadar se perdieron – así que la foto aérea más antigua que se ha conservado, mostrada aquí, es la de Boston en 1860, tomada por James Wallace Black, también usando un globo.
    Las Tarjetas de Visita
    A mediados de 1850 en Europa, Andre Disdéri popularizó las fotos a modo de tarjetas llamadas “carte-de-visite”.
    ¡Las Carte-de-visite se hicieron populares y Disdéri llegó a ser famoso cuando el emperador francés Napoleon III, de camino a Italia con su ejército, paró en su estudio para hacerse para una fotografía! (No importa que la historia pueda ser apocrifa, sigue siendo una buena historia!)
    Como eran baratas de producir, las carte-de-visite se fabricaban en serie para el público y se convirtió en un capricho enorme de la era Victoriana.
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    Esta carte-de-visite es de un curioso personajes llamado Eugen Sandow, conocido como el primer culturista moderno, que adquirió fama a finales del siglo XIX.
    ¿Llegan a estar en el aire todas las patas del caballo?
     
     
     
     
     

     

    En 1872, Eadweard Muybridge, un fotógrafo nacido en Inglaterra, fue empleado por Leland Stanford (quién fundó más adelante la universidad homónima), para resolver una pregunta (algunos dicen que fue una apuesta de $25.000) de si había un punto en el galope, donde el caballo tenía a la vez las cuatro patas sin pisar el suelo.
    Muybridge arregló 12 cámaras fotográficas junto a una pista de carreras y unió la secuencia mediante interruptores de la cámara fotográfica a través de la pista. Cuando el caballo pasó a través de esa zona, accionó el resorte. La serie de fotografías demostró el hecho de que el caballo en galope lleva a levantar las cuatro patas del suelo.
    Muybridge comenzó adesarrollar sistemas y técnicas para captar fotografías del movimiento de gente y de animales.
    Primera fotografía en color del mundo
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    La fotografía a color más antigua que se conoce fue tomada por Louis Ducos du Hauron en 1872. La foto es una vista de Angouleme en Francia meridional.
    El nacimiento del Fotoperiodismo
     
     
     
     
     

     

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    Por encima de muchos propulsores del fotoperiodismo esta John Thomson, fotógrafo y viajero escoces de la era Victoriana, cuyo trabajo de documentación de la gente de la calle en Londres encabezó la fundación del documentación y el fotoperiodismo social.
    Esta foto se llama The Crawlers (entre 1876 – 1877), una parte del trabajo de Thomson titulado Street Life of London, que documenta la dificultad de la vida de los transeúntes y de los pobres en esa era.
    Arma fotográfica
     
     
     
     

     

     

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    Alrededor de 1880, el científico francés Étienne-Julio Marey quiso estudiar el vuelo de los pájaros, así que inventó un arma fotográfica, que utiliza una placa de cristal que rota para tomar ¡12 cuadros consecutivos por segundo!
    Aparatos camuflados y cámaras fotográficas como armas
     
     
     
     
     

     

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    Al final del S.XIX e inicios del S.XX, vimos un auge en el diseño y la producción de las cámaras fotográficas camufladas en objetos cotidianos. Muchas de estas cámaras fotográficas fueron vendidas para los trabajos de detectives, mientras que diseñaron algunos (como la cámara fotográfica de la caja de fósforos) específicamente para las actividades de espionaje.
    Si hablamos de colecciones de cámaras fotográficas camufladas, hay que hacer referencia a la colección de George Eastman.
    Primera foto subacuática del mundo
     
     
     
     

     

     

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    El primer sistema subacuático para cámara fotográfica fue desarrollado por el científico francés Louis Boutan en 1893.
    ¡La imagen de la izquierda es la primera fotografía subacuática del mundo – el modelo estaba tan nervioso que sostuvo la placa de identificación al revés!
    Una Cámara fotográfica gigantesca
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    En 1900, George R. Lawrence construyó esta camara gigantesca que pesaba 900 libras. La Cámara, la más grande en el mundo por entonces,costó $5.000 (lo suficiente como para comprar una casa grande en aquel momento!) Se necesitan15 hombres para moverla y hacerla funcionar.
    El fotografo fue encargado por la empresa de tranvías Chicago & Alton para hacer la fotografía más grande del mundo (la placa era 8 x 4.5 pies de tamaño!) de su tren para el folleto de la compañía “la fotografía más grande del mundo del tren más hermoso del mundo.”
    La foto más cara del mundo
     
     
     
     

     

     

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    Estás mirando la foto de Edward Steichen de una charca en la isla larga, Nueva York, en 1904. No te rias: ¡esta impresión rara ostenta el record del mundo por ser la foto más cara del mundo, al venderse por $2.9 millones en febrero de 2006!
    Miles de personas posaron para la foto de Mole and Thomas’ war photo
     
     
     
     
     

     

    En 1918, los fotgrafos Arthur S. Mole and John D. Thomas hicieron una fotografía de 30.000 oficiales y otros militares en el campo Custer, Michigan. Se construyo una torre de 70 pies para este propósito.
    Mole and Thomas se especializaron en hacer este tipo de fotografías – tomaron un total de 10 fotos donde presentaron a los millares de soldados para hacer de manera gigante y viviente, los símbolos de los E.E.U.U ., incluyendo un retrato de Woodrow Wilson, La campana de la Libertad, la Estatua de la Libertad, del emblema del cuerpo de marina, y otros.
    ¡Mira el pajarito!
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    En los años 20, un pajarito de cobre amarillo era de uso frecuente por los fotógrafos para llamar la atención de los niños durante una sesión de fotografía (de ahí que digamos “mirar el pajarito”):
    El pajarito normalmente lo levaba una ayudante o un padre, y mediante una pera de goma unida por un pequeño tubo de cobre amarillo, La base del pajarito, de cobre amarillo, se separa en dos mitades de manera que el fondo de la base se puede llenar de agua. Al apretar la pera se hacía silvar y gorgojear al pajarito.
     
     
     
     
     

     

     

    Todo esto no es más que una lista incompleta de los eventos relacionados con la fotografía: no se nombran los avances realizados por Fox Talbot, el desarrollo de otros procesos fotograficos, el nacimiento de la cinematografía y mucho más…
    Para los que estén interesados en aprender más sobre el nacimiento de la fotografía, hay muchas Webs maravillosas, tales como Historia de la Fotografía de Robert Leggat, y fotografía.
     
     
    LOS CAMBIOS EN LA IMPRENTA
    Método de reproducción de textos e imágenes sobre papel o materiales similares, que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre unas piezas metálicas, llamadas tipos, para transferirla al papel por presión.
     

     

    Mucho se ha discutido sobre la verdadera aportación de Gutenberg a la industria de las artes gráficas, aunque de ningún modo se le puede atribuir la invención de la imprenta, cuyos principios eran explotados con anterioridad a sus descubrimientos. Ya a comienzos del siglo XV se imprimían naipes y estampas con motivos religiosos, mediante la aplicación de una plancha de madera grabada y embadurnada con tinta grasa, sobre el papel o el pergamino. Este procedimiento de impresión, la xilografía, era originario de Extremo Oriente, China o Corea, y entró en Europa a través de Italia.

    Tampoco fue mérito de Gutenberg la composición de textos con caracteres móviles, es decir, la fabricación de letras o símbolos individuales. Esta práctica surgió de un modo natural, a través de la necesidad de introducir correcciones en los textos de las planchas xilográficas, ya que era necesario extraer la letra a sustituir y reemplazarla por un taquillo o dado de madera que llevase grabado en relieve el nuevo carácter. El verdadero mérito de Gutenberg fue el perfeccionar estas técnicas hasta conseguir un procedimiento tipográfico que ha permanecido sin apenas cambios hasta los primeros compases del siglo XX.

    Para ello procedió a sustituir la madera por el metal, fabricando moldes de fundición capaces de reproducir tipos metálicos suficientemente regulares como para permitir la composición de textos. Fue esta invención, la impresión tipográfica con tipos móviles metálicos, la que dio origen al libro moderno.

     

     

     

     

     

     

     

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    Mucho se ha discutido también sobre la autenticidad de sus aportaciones. El hecho de no haber dejado su nombre en ninguno de los libros por él impresos, junto con las sombras que existen en torno a su vida, ha dado pie a atribuir a otros los méritos de su invención. El principal adversario en disputarle el descubrimiento ha sido, y para algunos sigue siendo, Laurens Janszoon Coster, un impresor de Haarlem del que se dice que inventó el tipo móvil metálico unas dos décadas antes que Gutenberg. De hecho, se han encontrado incunables en Holanda, confeccionados con tipos móviles, que muy bien pudieran haber salido de su taller. No obstante, lo defectuoso de la impresión ha llevado a muchos eruditos a pensar que Coster se sirvió de punzones de madera y de moldes de arena fina o de arcilla para fabricar los tipos de imprenta, atribuyendo a Gutenberg el punzón metálico y el molde de fundición, sin cuyo concurso la tipografía no hubiese sido posible.

    La invención de la imprenta con caracteres móviles, obra del alemán Johannes Gutenberg, es uno de los grandes hitos de la historia de la cultura. La posibilidad de realizar tiradas de múltiples ejemplares de libros facilitó el acceso de un mayor número de personas en todo el mundo al saber escrito y conllevó radicales transformaciones en la política, la religión y las artes.

    El impacto de la invención de la imprenta fue tremendo. La producción de libros durante los primeros cincuenta años después de la decisiva aportación de Gutenberg fue, casi con toda seguridad, mayor que en los mil años precedentes.

    La imprenta de Gutenberg provocó una verdadera revolución en la cultura. El saber escrito dejó de ser patrimonio de una élite y se extendió a amplias capas de la población. La escritura fue sustituyendo a la tradición oral como forma privilegiada para transmitir conocimientos, a la par que las publicaciones impresas, como libros o periódicos, se generalizaron. A principios del siglo XX la escritura impresa ya era el medio predominante en Occidente para la difusión del saber. Además de su enorme significado para la religión, la política y las artes en general, fue este un avance tecnológico que facilitó todos los demás que le siguieron.

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    Los cambios que trajo consigo la imprenta de Gutenberg sólo son comparables a los que está originando la generalización de la informática en el umbral del siglo XXI. Los ordenadores están sustituyendo a los documentos impresos como instrumentos para transmitir y conservar los textos. Sin embargo, el libro, tal como lo hemos entendido hasta la actualidad, continuará siendo de gran utilidad durante mucho tiempo. Podría decirse que aún vivimos en lo que el sociólogo canadiense Marshall McLuhan denominó la «galaxia Gutenberg», la época de la historia marcada por el predominio de la letra impresa.

    CINE

    El nacimiento del cine. La época muda.

     

    Con todo, se considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895. Aquel día, los hermanos Lumière mostraron, en sesión pública, sus films a los espectadores del Salon Indien de París. En uno de sus primeros films, “La llegada de un tren a la estación de Ciotat”, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme. El  aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público.
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    Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. “Viaje a la Luna” (1902) y “Viaje a través de lo imposible” (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.

     

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    LA TELEVISIÓN Y LOS POSTERIORES MEDIOS VISUALES

     

    Sistema de telecomunicación para la transmisión y recepción de imágenes en movimiento y sonido a distancia.

    Esta transmisión puede ser efectuada mediante ondas de radio o por redes especializadas de televisión por cable. El receptor de las señales es el televisor.

    La palabra “televisión” es un híbrido de la voz griega “Tele” (distancia) y la latina “visio” (visión). El término televisión se refiere a todos los aspectos de transmisión y programación de televisión.

    Las primeras emisiones públicas de televisión las efectuó la BBC en Inglaterra en 1927 y la CBS y NBC en Estados Unidos en 1930. En ambos casos se utilizaron sistemas mecánicos y los programas no se emitían con un horario regular.

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    Es un potentísimo medio para propagar información, cultura, diversión… y también para transmitir ideologías, cambiar costumbres,etc. 

    La televisión cambia a las personas y sobre todo engancha, lo podemos comprobar observando que en todas las casas están puestas las televisiones ya sea para verlas o por que acompañan cuando estas solo… pero encendidas. Las personas se pasan la mayor parte de su vida sentados viéndo la televisión.

    Hoy día se vé todo por la televisión no hay ni que salir de casa.

    Es un medio muy utilizado por los publicistas para promocionar sus productos.

    VIVIR EN UNA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO

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    TEMA 3:Técnicas, medios y materiales de creación plástica más usuales febrero 9, 2009

    Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 11:38 pm

    TEMA 3:

    TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁSTICA MÁS USUALES

    Existen muchas técnicas para crear imágenes, algunas se utilizan desde hace mucho tiempo, son las llamadas tradicionales o artesanales.

    Algunas de ésas técnicas son:

    • Las técnicas tridimensionales, son Obras de Arte Plásticas-Escultóricas que tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra, “Relieves”. “Esculturas” abiertamente tridimensionales, la profundidad no es limitada por un fondo; ocupan lugares y espacios propios, puede circularse a su alrededor observándola en todas sus formas y perfiles.

     

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    •  

     

    1.- TÉCNICA DE ESCULTURA 

    Esculpir y tallar: La eliminación de materia de un bloque de piedra o madera, que son los materiales más comunes, hasta “encontrar” dentro la forma deseada, representa la noción más profunda de la escultura como arte. Entre las rocas más utilizadas por el escultor figura el mármol. También se emplean otros materiales pétreos como el alabastro, la piedra caliza o el granito, u orgánicos, como el hueso o el marfil.

    Para trabajar la piedra se recurre, por una parte, a instrumentos punzantes, con los que se incide en la materia directamente o a través de un martillo, tales como el puntero, que conduce al desbastado inicial del material; varias clases de cinceles, de filo recto o bien dentado, con dientes puntiagudos o rectos, para ir conformando las superficies; el taladro, para perforaciones profundas, o el trépano, para algunos agujeros.

     

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    Por otra parte, hasta alcanzar el acabado final se requiere la utilización de limas, escofinas y piedras para pulir, como la piedra pómez, el esmeril y materiales abrasivos con los que frotar, con objeto de alcanzar la pátina deseada.

     

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    A veces se pintan las superficies. Los escultores en piedra, que a lo largo de la historia se han organizado en talleres con actividades especializadas, suelen contar con modelos previos, frecuentemente en yeso, de la misma forma y volumen, con los que trabajar. El uso de los mismos requiere el conocimiento de procedimientos geométricos -cuyo dominio es, a veces, ajeno al propio artista que concibe la escultura- que permiten saber, mediante una caja de varillas ortogonales (denominada caja de sacar puntos), dónde debe aplicarse el golpe.

     

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    Modelar: Frente a la concepción de la escultura como el resultado de un proceso de sustracción, existen varios procedimientos donde la expresión del volumen se alcanza mediante un concepto inverso, el de la adición. La ocupación del espacio escultórico mediante la manipulación de materia blanda (barro, yeso o cera) hasta alcanzar la forma ideada constituye uno de ellos. Estos materiales son trabajados con puntas de madera, distintos tipos de paletas y paletillas, telas húmedas y, fundamentalmente, la mano, que otorga una dimensión creativa directa a la tarea.

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    En el caso de la pieza escultórica modelada es preciso diferenciar la que constituye una obra final concebida como tal o la que supone un momento del proceso que desembocará en la obra definitiva, bien en piedra o bien fundida.

    Fundir: La escultura en bronce exige un modelo concebido con anterioridad cuyo volumen sea idéntico. A partir de ese original se realizan en negativo los moldes, que permiten el vaciado, lo que hace posible llevar a cabo cuantos originales se deseen mientras estos se conserven.

    El procedimiento más habitual es la fundición en hueco, que exige la construcción de un núcleo, a modo de soporte, sobre el que se colocan los moldes, dejando un espacio vacío para la aleación.

    Otro método muy común es el de la cera perdida: consiste en revestir de cera un soporte de material refractario; una vez modelada la cera, se cubre de nuevo y se calienta; la cera se funde (sale por unos agujeros hechos previamente) y deja el hueco que habrá de cubrir la aleación. Esta tarea se realiza, por lo general, en talleres especializados. Una vez extraída la escultura, se lleva a cabo una labor de retocado y pulido.

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    Ensamblar: La idea de integrar elementos de procedencia diversa, con la intención de configurar un objeto susceptible de ser juzgado globalmente como una pieza escultórica unitaria está, con frecuencia, presente en la tradición histórica (la imaginería, por ejemplo), aunque el desarrollo sistemático de la idea de escultura como construcción, en su doble dimensión técnica y conceptual, está estrictamente ligado a las aspiraciones del arte contemporáneo.

    El hecho de que, circunstancialmente, estos materiales tengan la forma de objetos con significados en otros contextos y estén más o menos modificados no afecta a lo esencial del proceso ejecutivo como tal. Cuando estos objetos se integran en un cuerpo único el resultado se denomina assemblage. En todo caso, el volumen resultante es susceptible, según sea el deseo del artista, de ser fundido en otro material.

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     LA TALLA

    Técnicas e instrumentos.

    “Los escultores del pasado se sirvieron de prácticamente todos los materiales que se prestaban a recibir una forma en tres dimensiones, de tal manera que incluso la arena, el cristal, el cristal de roca o las conchas de moluscos tienen un lugar en la historia de la escultura. Luego los modernos ampliaron muy considerablemente la gama de posibilidades : la irrupción del acero y los nuevos metales y de nuevos materiales como el nilón o los plásticos, ha dado continuidad así a la antigua tradición de búsqueda y experimentación en este campo.

    Dos son, no obstante, los materiales que aparecen como predominantes a lo largo de la historia y por todos los rincones del globos la madera y la piedra.Cuando en los países mediterráneos se utilizaba la piedra – algo nada infrecuente – solía recurrirse a menudo, mas que a piedras duras, como el mármol o a materiales de dureza aún mayor como el granito o el pórfido extraídos en estos países se recurría, decía a cualquiera de las variedades de piedra blanda que podían hallarse por los alrededores, como la piedra caliza o la arenisca.

    El trabajo de la piedra es de una antigüedad incalculable: todo el mundo conoce los primitivos utensilios de pedernal hallados en todos los rincones de la tierra que deben verse como la primera extensión eficaz de la mano del hombre y que se sitúan, por lo tanto, en los albores de la civilización humana. Tales instrumentos, fabricados a base de desconchar y picar una piedra, nos proporcionan el primer ejemplo de artesanía humana.

    Con el paso del tiempo, los utensilios fabricados a base de desconchar la piedra dejaron de satisfacer al hombre. Aparecieron entonces dos técnicas nuevas en el trabajo de la piedra, ambas tremendamente lentas y laboriosas. Descubrióse en primer lugar que podía mejorarse un utensilio mediante frotamiento con arena, lo que daba lugar a un proceso de abrasión. Más adelante se inventaron los útiles de cobre, de bronce y, posteriormente, de hierro, con cuya ayuda podía ya tallarse la piedra. Con la existencia de este tipo de herramientas asistimos al nacimiento de la historia de la escultura.

    El trabajo del escultor empieza en realidad antes del tallado propiamente dicho, con la elección del bloque. Cualquier escultor de primera fila sabe con precisión cuáles son sus necesidades en este punto. Miguel Ángel, por ejemplo, no confiaba en nadie para esta misión, y llegó a pasarse años en las canteras de Carrara y de sus proximidades, en las cercanías de Florencia  .Y cuando le resultaba imposible ir en persona a las canteras, daba precisas instrucciones a los operarios de éstas, entregándoles incluso dibujos con detallados apuntes, dibujos que incluían las medidas de los bloques que necesitaban. No poco del éxito del trabajo dependía además de la calidad del mármol y en cierta medida esa calidad del bloque que el escultor tenía a su disposición llegada a determinar qué útiles podían emplearse en su trabajo y qué otros no.

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    Útiles del escultor:

    (A) punta o puntero
    (B) cincel plano
    (C) cincel de cabeza de toro
    (D) cincel de uña o dentado
    (E) bujarda
    (F) martillo de punta o de desbastar
    (G, H) escofinas
    (I) trépano móvil
    (K) trépano
    (L) taladro.

    Dos palabras ahora acerca de los útiles empleados por los escultores.

    Quiero mencionar específicamente el martillo cuadrado -o bujarda-, que en la actualidad tiene la cabeza de acero y recubierta de puntas piramidales, la punta o puntero, que se emplea con un mazo para desprender lascas de piedra relativamente grandes; varias clases de cinceles: el cincel plano, el de cabeza de toro, el de uña o dentado, además el trépano, representado aquí por dos formas primitivas usadas por los griegos y las limas y escofinas que se utilizaban para suavizar la superficie de la obra. También hay que citar, aunque no aparezcan en el dibujo los abrasivos que servían para pulimentar y hacían desaparecer las marcas dejadas por la escofina. Los griegos utilizaban como abrasivo el esmeril,…En otras zonas se servían para este fin de arena o piedra pómez, que es una especie porosa de lava. Hoy en día los escultores usan carborundo producido por medios mecánicos.

    No todos los útiles se emplean de forma simultánea a lo largo de la historia, sino que cada período suele tener preferencia por algunos de ellos. No obstante los útiles más importantes han sido siempre, y siguen siéndolo el puntero, el cincel plano y el dentado, y el trépano.

    El puntero aplicado en ángulo recto produce, al golpearlo con el mazo, más que surcos, muescas. El procedimiento actualmente más frecuente es el de aplicar el puntero de forma oblicua a la superficie de la piedra, método que suele conocerse como “golpe de cantero” y que produce largas estrías.

    Les llegó entonces el turno al cincel plano, al cincel dentado y al trépano. Desde que se descubrió que el trépano permitía, no sólo hacer orificios en profundidad en el mármol y en la piedra sino también socavar un material duro de la forma más audaz y producir así unos efectos a la vez realistas y pintorescos, se convirtió en un importante recurso durante los períodos realistas de la historia del arte. Pero no siempre era el trépano una bendición para el artista, de hecho hasta podía convertirse en lo contrario, en una maldición. Hasta cierto punto el cincel plano sustituyó al puntero incluso en la antigüedad, siendo ampliamente utilizado por escultores romanos. Por contraste con la aplicación del puntero en ángulo recto, el golpe oblicuo del cincel produce una superficie relativamente lisa. ¿Por qué se empleó tanto” entonces, el cincel plano en aplicación oblicua? La labor del cincel plano es mucho más rápida que la que se hace con el puntero, es además un útil más seguro que el puntero, y posiblemente su manejo no exige tanta destreza. El cincel plano, pues, proporciona al escultor una mayor facilidad de ejecución a cambio de una disminución del vigor y quizás también de la calidad del resultado.

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    El cincel dentado por su parte, es probablemente el más versátil de los útiles del escultor. Los dientes pueden variar en número y tamaño, pueden ser puntiagudos o romos. Según esto, puede emplearse como si fuera un puntero de muchas puntas o como si fuera un cincel plano de muchos filos. Los escultores lo han empleado a veces conjuntamente con el cincel plano. Los dientes de este útil producen en la superficie, como es lógico, unas estrías paralelas.

    Otro problema es el traslado de un dibujo o un modelo al mármol. Ahora se cree que los griegos emplearon un método conocido generalmente como método de puntos, y que consistía en establecer con la mayor precisión posible una serie de puntos paralelos en el modelo y en el bloque de mármol. Esta técnica nos lleva de nuevo al trépano, pues sólo con éste podían establecerse en el bloque de mármol los puntos correctos y a la profundidad correcta.

    El sistema de puntos de medida

    Los instrumentos de medida.-

    Trasladar las medidas y trazar las marcas de referencia que permiten afrontar con seguridad la escultura en madera o en piedra en el caso de objetos de dos dimensiones no es demasiado difícil recurrir a una simple regla cuadrangular. Con la tridimensionalidad la tarea se complica un poco, aunque no demasiado: bastará con medir, además de la altura y la anchura, también la profundidad. Algunos instrumentos cuyo uso suele ser siempre fácil e intuitivo, serán de gran ayuda:

    — La escuadra.

    — La falsa escuadra.

    —El calibre universal.

    —El compás (el más común es el  de punta fija o de punta recta).

    —El micrómetro.

    — El compás de proporciones.

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    El transportador de puntos.

    El transportador de puntos es un objeto formado por una base redonda de la que sale un tubo de unos 20 a 50 centímetros, y sobre el que se desliza una mordaza o “gato” regulable, la cual sujeta una aguja de acero. Con este aparato transportador se consigue obtener las diferentes medidas, tanto en altura como en profundidad. El tubo está milimetrado de manera que puedan medirse las dimensiones sin dificultad. Lo más importante es que la aguja viene a representar el concepto que sobrentiende los puntos de medida.

    Compás

    Transportador de puntos.

     

     TÉCNICA DEL MODELADO.

    Desde un punto de vista técnico, el modelado es la menos complicada de las tres ramas escultóricas. Es la representación de la forma artística con materiales plásticos tales como arcilla y cera. Las obras modeladas pueden ser expresiones acabadas de la idea del artista o, más frecuentemente, trabajos preparatorios de las otras dos ramas escultóricas.

    Hay dos tipos de modelado, previos a la talla y el vaciado: pequeños bocetos, pensieri, en los que se elabora la composición de la figura seguidos de modelos a tamaño natural que pueden ser transferidos a bloques de mármol o vaciados en bronce.

    Las técnicas de modelado ha variado poco desde entonces los métodos descritos por Vasari son representativos de los que tradicionalmente se han venido aplicando. La cera de modelar (presumiblemente de abejas) se preparaba mezclándola con grasa animal para hacerla más blanda, y se le añadía trementina como elemento adhesivo y betún para darle color y solidez al secarse. Algunas voces se coloreaba la cera con pigmentos como bermellón o minio, que se añadían a la cera fundida. La cera recibía la forma de barras o rollos y se fijaba a un armazón de madera o alambre de hierro.

    Se puede modelar con herramientas de madera, hierro o hueso. También se hacían pequeños modelos en arcilla, pero sin utilizar armazón alguna, ya que ésta podría hacer que la arcilla se agrietase; y el agua de la arcilla puede, a su vez, hinchar la madera y oxidar el hierro.

    Vasari también describió la preparación de modelos de arcilla de tamaño natural con armazones de madera, necesarias para soportar el peso de la figura, que se envolvían en estopa o heno prensados para que se agarrase la arcilla. Para evitar que la arcilla se agrietara, se añadían recortes de tela o crin, así como algo de harina tostada para impedir que se secara demasiado pronto. Se podían realizar vestiduras aplicando a la figura algún tejido bañado en arcilla.

    La arcilla cocida recibe el nombre de terracota. 

     LA TÉCNICA DEL VACIADO.

    El vaciado es una técnica para reproducir modelos mediante moldes. Muchos materiales, como metales y argamasa, se han utilizado para vaciados, y el bronce ha sido el más popular de todos a lo largo de los siglos.

    Las estatuas pequeñas se pueden vaciar en bronce macizo, pero el enorme peso que tendría una estatua grande de bronce junto con la cantidad de metal que se requeriría para su manufactura, favoreció el desarrollo de sistemas para vaciar en hueco, de modo que la estatua posea una fina capa de metal rodeando un núcleo macizo de algún material incombustible. Esto se consigue vertiendo el metal fundido en un estrecho espacio comprendido entre el mencionado núcleo y un molde sacado, directa o indirectamente, de un modelo; una vez enfriado el metal y solidificado, se saca el molde. El método de cera perdida introducido por los griegos durante el siglo VI a. de C., es el más extendido.

    Normalmente, el bronce contiene más o menos estaño y cobre, pero las composiciones halladas en distintas estatuas varían mucho. Al principio el bronce es rojo, se vuelve negro con el paso del tiempo. Este proceso se puede acelerar frotando la estatua con aceite. El tratamiento con vinagre da al bronce una pátina verde.

    Los principios de la operación de vaciado hueco por el sistema de cera perdida son inmutables y sencillos, pero los métodos difieren según se deseen una o más copias. Una de las mayores obras que jamás se vaciaron fue la gran estatua ecuestre de Luis XIV, ejecutada por Dirardon (1966) y destinada al centro de I plaza Vendome de París. La operación elevó las técnicas de vaciado a su punto culminante. Por este motivo se eligió, cincuenta años más tarde, para ilustrar los métodos de vaciado en la Enciclopedia de Diderot. El vaciado hueco requiere un modelo, un molde y un núcleo. El modelo es la obra original del escultor, modelada en arcilla. Se cubre con yeso por partes, para que este molde se pueda levantar por secciones cuando esté duro.

    El proceso concluye sacando la construcción del pozo; se le quita la armazón exterior, se rompe el molde externo de tierra se le sierran los hierros y espigas de bronce que sobresalen y se pule el conjunto. La armazón interior y el núcleo quedan dentro de la estatua. La gran obra de Girardon, desgraciadamente, fue, destruida en los primeros años de la Revolución francesa.

    Varios autores.- Enciclopedia universal de la escultura y pintura.
    Ed. Sarpe. Madrid 1982. Págs. 62-63

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     LA FUNDICIÓN DE BRONCE.
    ETAPAS DE LA FUNDICIÓN EN BRONCE DEL
    MARTE DE GIAMBOLOGNA EN 1546.

    Ésta es una reconstrucción moderna de los distintos pasos propios del proceso indirecto de la cera perdida que utilizó Giambologna (1529-1608) para crear “Marte” (hacia 1546).

    1. La primera etapa es la que diferencia la técnica indirecta de la directa: se crea un original y se conserva de manera que sea posible hacer copias de la misma obra. El método directo utiliza un molde de yeso que se destruye durante el proceso. Se parte de un molde original hecho en cera con soportes de metal 2. Partiendo del original, se crea un segundo molde en cera hueca. En este caso, se ha rellenado la figura con yeso liquido y una mezcla de tierra cocida y yeso (grog) y se han colocado los soportes y los tubos que atraviesan el molde.Por medio de tubos y soportes se agujerea el molde para permitir que pase el bronce fundido y salga el aire. 3. La figura de cera, rellena de yeso, se cuece toda la noche en el molde: a continuación se vierte el bronce fundido que hace que la cera se derrita. En esta imagen, se puede ver el bronce enfriándose, recubierto por el yeso del molde exterior.La figura de bronce se crea a partir de la figura de cera, con los soportes de tubo. Bajo la capa de yeso no se puede ver el bronce.

    4. A continuación se ha de pulir la figura: cortar los soportes y tubos, cubrir las mareas que pudiesen quedar y tapar el agujero que se crea al retirar el interior de yeso de la escultura.

    Se han de eliminar los soportes de metal y los tubos.

    5. A pesar de que Giambologna empleaba a un maestro de la fundición, Portigiani, para ejecutar la parte técnica de la obra, el resultado final había de ser conforme a su estudio original. En esta etapa se trata de cincelar y pulir la superficie para restaurar la sutileza de cada uno de los detalles.

    Se cincela y se pule la figura.

    6. Se trata la pieza con ácido, para limpiarla y deslustrarla un poco (de lo contrario parecería una moneda recién acuñada). El artista puede cambiar el color de la superficie con productos químicos y lograr un aspecto envejecido. Es lo que se llama “aplicar una patina”.

    Por último se trata la superficie con productos químicos. Ahora la figura ha cambiado de color.

        

     

    • Las técnicas bidimensionales:Cuando miramos un objeto o un conjunto de objetos percibimos sus cualidades visuales (forma, color, textura). Al mismo tiempo que los observamos, percibimos también los atributos visuales de aquello que está a su alrededor ya que, en el entorno, los objetos no están aislados. Vemos relacionadamente, aun cuando no nos demos cuenta de ello. Formas, colores y texturas rodean los objetos que observamos, les sirven de marco y generan contrastes que los hacen resaltar o similitudes que los hacen fundirse uno con otro. La relación entre las cualidades visuales de los objetos y las de aquello que los rodean es lo que en Plástica se denomina “relación figura-fondo”.La figura y el fondo y sus relaciones son una presencia importante desde el punto de vista visual y expresivo en las imágenes.

      Cuando los niños pintan o dibujan, por lo general ponen atención a la representación de la/s figura/s sin darle importancia al espacio que la/s rodea.

       

       

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    • Otras técnicas tradicionales: como la vidriera, calado, tejidos, cestería,etc.

       

       

       

       

       

     

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    Han aparecido otras técnicas nuevas derivadas de la fotografía y del cine como:

    – La televisión.

    – El video.

    – Animación.

    – Técnicas infográficas.

    – Neon.

    – Apilamiento.

    – Eat art.

    – etc.

     

    Pero además de todas éstas técnicas podemos encontrar otras en las que no están basadas las creaciones de imágenes ni de objetos.

     

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    A pesar de las diversas técnicas que existe todas son validas, lo único que importa es el resultado final.

    Es muy importante que valoremos este concepto ya que los niños van a utilizar muchas técnicas y muy distintas para hacer sus trabajos.

     

    Las técnicas y procesos bidimensionales

     

    Las más importantes son el dibujo y la pintura.

    En el dibujo se emplean los siguientes materiales:

     

    El carboncillo. Se puede definir como una barra o pieza de madera quemada. Es una de las técnicas más antiguas.

     

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    El carboncillo se puede encontrar de diferente tamaño y grosor y de distintos tonos.

     

    Sanguina. Esta se saca de una piedra mineral de color rojizo. También es considerada una técnica muy antigua. Pueden tener distintas tonalidades, pero todas en la gama de los rojos.

     

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    Lápices. El grafito, material que deja dar muchos detalles. Los típicos lápices de colores que son una técnica muy difícil y el conte.

     

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    Tintas: Pueden ser tinta china, bistre, sepia, etc. todas son iguales, lo único que varía es el color.

     

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    Pastel: Es una técnica muy fácil de utilizar se aconseja que los niños la utilicen en el aula.

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    Ceras: También se utiliza en el aula ya que es muy económico y sencillo de utilizar. Son pigmentos de colores grasos.

     

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    Punta de plata: Antes se utilizaba mucho. Es peligroso en las aulas.

     

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    Con respecto a la pintura, existen muchos utensilios como pincel, aerógrafo, rodillos, esponjas, espátulas, etc, que te ayudan a pintar.

    Las técnicas de la pintura pueden ser:

    ·                                 Al agua. Donde encontramos la tinta china a pincel, que es como la acuarela; la acuarela; la témpera; y los acrílicos y vinílicos.

    La tinta se usa como la acuarela, mezclándola a veces con agua para que salgan tonos más claros.

     

    La acuarela son pigmentos aglutinados con goma arábiga que se disuelven en agua y se aplican sobre papel con pinceles. Cuanta más agua usemos, más claros será los colores.

     

     

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    La témpera tiene una composición parecida a la acuarela, pero además lleva pigmentos blancos que le dan “opacidad”, o sea capacidad de sobreponer colores sobre otros.

     

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    El acrílico ya es una técnica contemporánea. Es una técnica muy limpia, magnífica, ideal para trabajar en clase, pero tiene un inconveniente, si te manchas no se quita.

     

     

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    El óleo está compuesto por pigmentos aglutinados con aceite de linaza. No es recomendable utilizarlo en clase porque se disuelve con esencia de trementina (aguarrás). Además, el secado es muy lento.

     

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    Seguimos con las técnicas contemporáneas nombrando el temple y el fresco, aunque este último ya no se usa.

     

     Ahora vamos a hacer una pequeña presentación del grabado y la estampación.

    El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una imágen dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en una superficie rígida llamada “matriz” con la finalidad de alojar tinta en las incisiones, que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela.

    Existen varios tipos de grabado como pueden ser:

    ·         Monotipos y sellos.

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    ·      –   Xilografías.

        

     

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        Linóleo

       

        g45    pensando

     

     

     

     

     

     

     

        

     

    tema 0 : Introducción a la Ed. Artística febrero 1, 2009

    Filed under: Uncategorized — sonia1989 @ 3:57 pm

    PRIMERA PRUEBA INICIAL

      En la clase se realizó una actividad en la que todos los compañeros participamos y consistía en decir las asignaturas que creíamos que debería aprender un niño de primaria.

     Estas fueron las asignaturas que apuntamos:

    Conocimiento del medio (para que el niño adquiriera conocimientos generales).

    Plástica

    Música (para que el niño se culturizase, con  himnos, música clásica, …).

    Inglés (para que el niño se empezara a familiarizar con otras lenguas).

    Matemáticas (para que no engañaran al niño, cuando fuera a comprar).

    Lengua (para que el niño pueda hablar, expresarse, escribir correctamente,  incluso para tener cultura, es decir, para que se pueda comunicar).

    Ed. Física (para que el niño tenga una buena salud y también para que se relacione con los otros niños).

    Religión (optativa).

    Ballet Clásico (no era importante para el niño).

    Informática (se discutieron dos posturas, una en la que se decía que el niño aprendía sólo y otra en la que era bueno que el niño se familiarizara con el ordenador ya que era el futuro, aunque ambas posturas estaban de acuerdo que el internet podría ser un peligro para ellos).

    2º Idioma (algunos no querían ya que decía que era mucho para un niño tan pequeño, otros en cambio sí).

    Tecnología (no era importante para el niño).

    Pero nos dimos cuenta que lo que se da en la escuela podría ser diferente, ya que hoy día la informática es imprescindible y también con respecto a otras lenguas, es mejor enseñarles  a los niños  hasta 3 idiomas ya que tienen bastante capacidad para ello y pueden aprender hasta los 6 años sin esfuerzo. Esto se consigue hablándoles desde pequeños ese idioma.

    Damos las asignaturas que el gobierno impone, ya que, cada cuatro años según la ideología cambia los materiales escolares.

     

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     Y también cuentan la historia como a ellos le vengan mejor.

     Lo más importante que hay que tener claro es saber antes de enseñar lo que se quiere enseñar. 

     

    SEGUNDA PRUEBA INICIAL.  

    Este ejercicio consistía en dibujar una silla en 2 minutos.

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    Tras esos dos minutos el resultado fue que cada uno de nuestros compañeros dibujó una silla diferente, a partir de que sólo escucharon la palabra silla. Con este ejercicio hemos podido aprender que todos tenemos el concepto de qué es un silla, lo que cada uno la dibuja como quiere. (Base común).Todos tenemos una base común, nadie piensa lo mismo. La escuela intenta que todos hagamos lo mismo.
    Otra cosa que hemos aprendido es a calificar, esto ocurre porque queremos que sean todas iguales pero no es así, son diferentes. La escuela nos enseña a ser todos iguales.
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    Todos sabemos dibujar, pero cada uno para una cosa. Cada uno de nosotros va a dar resultados diferentes.
    Porque uno dibuje mejor no quiere decir que va a ser mejor maestro, o sí.

     

     

     

     

    TERCERA PRUEBA INICIAL 

    1.- ¿Para qué sirve la educación artística?

    Pienso que sirve para que los niños se diviertan y puedan expresar sus sentimientos a través de los dibujos.

    Algunos compañeros pensaron que servía para ampliarles la imaginación creativa, para desarrollarles una faceta artística, para hacerles visible la realidad, para crearles formas, etc.

    2. – ¿Para qué te ha servido a ti en la escuela?

     

    Esta prueba consistía en una serie de cuestiones, las cuales provocaron un debate, ya que cada uno de los compañeros contaba sus experiencias.

    Para divertirme y relacionarme con los otros niños.

    Para otros les habían servido para acomplejarse, para jugar, otros decían que para nada.

    3. – ¿Para qué te sirve ahora, en tu vida diaria?

    Para entretenerme y no pensar en otras cosas.

    Cada uno de nosotros dio su opinión, algunos decían que nos les servían para nada, otros decía que para tener más imaginación y para hacer cosas manuales, algunos que no sabían,…

    Tras estas respuestas llegamos a una conclusión sobre ésta asignatura que queríamos cambiar la imagen que tenemos de ella para que nos parezca más divertida y nos interesemos más por ella.

     

    Y sobre todo algo muy importante:

    “La escuela debe ser un sitio fascinante, pero no para fascinantes.”

    Hay que tener muy claro que antes de enseñar hay que saber lo que queremos enseñar, por qué y para qué.

    No porque aparezca en los libros de textos hay que enseñarlos.

     

    Una cuestión muy debatida en las escuelas ha sido el de las nuevas tecnologías.

     

     Por ello me parece que este artículo es importante.

    ORDENADORES EN EL AULA

     

     

     

     

     

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    ¿Enseñan más los ordenadores que los libros? ¿Los alumnos aprenden más y mejor con las tecnologías digitales que con el material escolar tradicional (libros, cuadernos, pizarras?

     

     

     

     

    Éste es un artículo del país a favor de la nueva tecnología

    Los niños con ordenador mejoran más, sobre todo en matemáticas

    CIBERP@ÍS 18/09/2008

    El Parque de Innovación La Salle, Toshiba y el parvulario de La Salle Bonanova, en Barcelona, han realizado el primer estudio europeo sobre el impacto de las tecnologías en la educación y el aprendizaje en niños de 3 años.

    Durante tres meses se evaluó la evolución de 52 párvulos en el aprendizaje de las matemáticas. A la mitad se les sustituyó las herramientas tradicionales de aprendizaje (cuadernos, lápices, libros y pizarras) por un entorno digital con acceso web inalámbrico y tablet PC junto a un software de contenidos digitales, un proyector y una pizarra digital.

    El 84,6% de los alumnos que han usado los tablets PC finalizaron la evaluación de trimestre con una puntuación de notable (7 o más sobre 10) frente al 57,7% de los alumnos sin PC.

    El informe plantea otras ventajas, como la incidencia directa de la tecnología en la eficacia de las clases. Los niños con portátiles realizaron cuatro veces más ejercicios y sus profesores redujeron a la mitad el tiempo de explicación y corrección.

    Los niños realizaron una evaluación inicial y otra final de matemáticas. Los de ordenadores incrementaron la media de 3,4 a 8,5 mientras que el resto sólo pasaron de 4,7 a 6,9 puntos.

     

    Este artículo muestra lo importante que es hoy la tecnología en la sociedad, y sobre todo para los niños aprenderlas a usar ya que los motivan y ayudan en su aprendizaje con mejores resultados.

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    Pero también hay que tener mucho cuidado con los niños que utilizan ordenadores ya que en ellos se consiguen toda la información que quieran, hasta el punto que habran niños que no se quieran separar del ordenador ya que es una ventana al mundo.

     

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    Por ello, hay que tener mucho cuidado e intentar que sólo lo use cuando lo necesite y no se pase todo el día con él, encerrado en su habitación, aislado de la sociedad porque podría acarrearles muchos problemas como es la obesidad, pérdida de amigos…

     

    Es muy aconsejable que los niños tengan horarios para que no abusen de los ordenadores y esten sanos, por ejemplo haciendo deporte.

     

     piramideHoy día hay también que procurar proteger a los niños de las imágenes aunque es algo muy difícil ya que vivimos en la sociedad de las imágenes.

     

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    VIVIMOS EN LA SOCIEDAD DE LAS IMÁGENES

     

    Hoy todo se puede saber cómo es aunque no lo conozcas.

     

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    Estas imágenes están por todos lados por ello es muy difícil que una persona que nunca haya ido a París no sepa como es la Torre Eiffel.

    También sabemos cómo es nuestro planeta (La Tierra) gracias a las imágenes.

     

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    La información visual cada vez es más importante (Casi todo el conocimiento es visual), ya que en la sociedad la mayoría de las informaciones se perciben a través de la vista, dejando en un segundo plano los demás medios de percepción.

    Hoy día todo está basado en las imágenes, de ahí que se le de el nombre de la sociedad de las imágenes.

    Y cada vez será mayor el grado de percepción a través de las imágenes.

     

    Las imágenes existen:

    – Para hacernos comprar.

     

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    Para ideologizarnos.

     

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    Ronald Reagan da un discurso flanqueado por banderas frente al muro de Berlín, 1987. La puerta de Brandeburgo, a su vez, nos recuerda el uso del Arte para justificar la construcción del Estado, como en este caso PrusiaAlemania.

     

     Para manipularnos.

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    (…).

    ADEMÁS CONSTRUIMOS EL MUNDO A TRAVÉS DE LAS IMÁGENES.

    Porque hay cosas que nunca hemos visto pero sin embargo, sabemos como son gracias a las imágenes. Por ejemplo las imágenes que pongo a continuación.

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     Como observamos en las siguientes imágenes mucha de la publicidad actual es un tanto machista. La mujer se muestra como un objeto sexual mientras el hombre se ve siempre como un ser superior sobre la mujer.

    Estas imágenes muestran unas de las razones por la cual los niños de hoy en día adquieren, desde pequeños, un pensamiento machista a través de los medios de publicidad ya sea por la televisión o por cualquier otro medio.

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    Muchos de los dibujos animados son machistas, uno de ellos es Hércules.

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    La publicidad no muestra la realidad sobre todo en la estética.

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    Esto es un problema muy grave para la sociedad ya que muestra un canon de belleza que no se corresponde con la realidad.

    Esto influye de manera increible sobre adolescentes que luchan por estar así de delgadas ya que ellas creen que si no están así no son bellas o ningún chico se va a interesar por ellas. Esto provoca graves enfermedades psicológicas como son la anorexia o la bulimia.

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    En la escuela deberíamos hacer ejercicios, actividades para que los niños se sintieran bien consigo mismos y se aceptaran tal y como son para intentar frenar esos problemas.

    Como por ejemplo que cada niño escribiera su nombre y lo coloreara o que se pintaran la mano con pintura y pusiera su huella en una hoja de papel.

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    Hoy en la sociedad también es muy importante la apariencia y como te muestras a los demás.

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    Como acabo de decir la apariencia es muy importante.

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    Para una entrevista de trabajo es muy importante este aspecto ya que no es lo mismo que un hombre venga arreglado a otro que venga en chandal, aunque eso no tiene nada que ver porque quizás el que viene en chandal está más capacitado que el otro pero en ésta sociedad lo que cuenta es la imagen.

    Por ello debemos enseñar a nuestros alumnos este aspecto.

     

    Tenemos que intentar que nuestros alumnos tengan la capacidad para contar cosas a través de las imágenes.

    Para ello podemos crear una sección de tarjetas en la que aparezcan unos personajes y que ellos construyan una historia o también que se expresen con su cuerpo.

     

    Un hecho que se puede contar con imágenes es la pobreza.

    ¿Qué entendemos por pobreza?

    La pobreza es una situación o forma de vida que surge como producto de la imposibilidad de acceso y/o carencia de los recursos para satisfacer las necesidades físicas y psíquicas básicas humanas que inciden en un deterioro del nivel y calidad de vida de las personas, tales como la alimentación, la vivienda, la educación, la asistencia sanitaria o el acceso al agua potable. También se suelen considerar la falta de medios para poder acceder a tales recursos, como el desempleo, la falta de ingresos o un nivel bajo de los mismos. También puede ser el resultado de procesos de segregación social o marginación. En muchos países del tercer mundo, se dice que uno está en situación de pobreza cuando su salario (si es que tiene un salario), no alcanza para cubrir las necesidades que incluye la canasta básica de alimentos.

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    Las imágenes hablan por sí solas. Con ellas se puede saber que algunas personas viven en una situación de extremada pobreza.

    ¿Cuándo surge la pobreza?

    La pobreza es tan antigua como el género humano; es el polo opuesto de la riqueza. A lo largo de la historia la confrontación de intereses entre pobres y ricos ha provocado toda clase de acontecimientos que, pese a los avances en favor de los menos favorecidos, no han logrado modificar sustancialmente la situación de desigualdad en que vive la mayor parte de la población mundial.

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    LA CREATIVIDAD

    La creatividad está relacionada con la generación de ideas que sean relativamente nuevas, apropiadas y de alta calidad.

    Todas las definiciones coinciden en lo novedoso, lo que es original, lo que resuelve un problema o el replanteamiento que permite una nueva visión de los ya identificados.

     

    La creatividad es “algo” que todos tenemos en diferente medida, no es un calificativo fijo, se puede desarrollar en grados variables. Se puede encontrar a la creatividad en todas las tareas de la humanidad, no sólo en las artes; esto es identificable cuando la gente intenta hacer las cosas de una manera diferente, cuando aceptan los retos para solucionar problemas que afectan directamente su vida. Es interesante estudiar la creatividad en las personas altamente creativas; pero realmente nuestra atención debe estar en el estudio y propuesta de desarrollo de todos nuestros alumnos, ya que son la realidad que tendrá la responsabilidad de manejar este país en un futuro próximo.

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    La creatividad es la forma más libre de expresión propio, y para los niños, el proceso creativo es más importante que el producto terminado.

    La creatividad también fomenta el crecimiento mental en niños porque provee oportunidades para ensayar nuevas ideas y probar nuevas formas de pensar y de solucionar problemas.

    Una actividad  para desarrollar la creatividad de los niños sería el juego de las casitas ya que los niños tienen la oportunidad de practicar distintos roles o papeles. 

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    Hacer sus propios dibujos para desarrollar la imaginación.

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    Un juego de búsqueda ayudaría a trabajar en sus sentimientos. Por ejemplo el escondite.

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    ARTES VISUALES EN LA COGNICIÓN

     En estas imágenes percibimos miedo y alegría respectivamente según los colores de las mismas.

     

     

     

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    CREACIÓN PLÁSTICA I

    El dibujo es muy importante para la totalidad de los niños ya que ellos utilizan habitualmente los medios visuales, principalmente el dibujo, para la reflexión, expresión y comunicación. Por ello, la práctica de las artes visuales es decisiva para el desarrollo de la psicomotricidad infantil.

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    CREACIÓN PLÁSTICA II

    La forma y función son inseparables y en ocasiones la función no es posible si la forma es deficiente. Como por ejemplo un balón cuadrado ya no puede hacer la función de girar como un balón redondo.

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     Es necesario que los niños elaboren trabajos artísticos propios para entender el trabajo plástico de los artistas ya que mejorará su grado de satisfacción en el contexto escolar.
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    Los lenguajes y sistemas notacionales, los materiales y las actividades distintivas del aprendizaje artístico son los propios de las Artes Visuales.

    En Educación Artística se trabaja fundamentalmente con los lenguajes visuales, con el dibujo y los sistemas de representación objetiva del espacio. Los materiales son los pigmentos, las arcillas, los papeles y cartones, las telas, maderas, plásticos, piedras, los espacios y las luces, y en general cualquier material que nos atraiga manipular o transformar.

    Las acciones y actividades básicas en Educación Artística son la creación de imágenes, de objetos y construcciones, así como el conocimiento y comprensión de las obras que hacen o han hecho otros.

    Hoy día el software es muy importante en la creación de medios plásticos y visuales.

     

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    Antes para conseguir una imágen, ya sea un retrato o un paisaje, tenias que conseguir un pintor para ello, ahora con un simple gesto ya la tienes.

     

    LA PUBLICIDAD

     

    La finalidad de la publicidad es mostrar que se puede satisfacer una necesidad con el producto o servicio que se está vendiendo.

    La posibilidad de armar una publicidad se gesta en el departamento de Marketing de una empresa, que es el encargado de estudiar al consumidor, el dicho mercado, etc.

    La mayoría de la publicidad es un engaño, ya que los productos que anuncian por multíples medios de comunicación no son como realmente se ha anunciado.

    Y si no mira estas imágenes.

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    La publicidad intenta manipularnos con la imagen de la mujer ya que la muestra provocadora, sexy… En definitiva, como un objeto sexual para el hombre.

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    Pero la realidad no es esa, ya podemos hacernos la idea que la mujer al igual que el hombre también es inteligente, trabajadora…

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    En verano la publicidad nos bombardean con las típicas dietas milagros, las cremas anticelulitis, los cereales… Todo para estar estupendas, super delgadas como las que salen en la publicidad.

     

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    cereales y todo esto para estar así==>  53210_1 

    Todo esto provoca que no te aceptes a ti misma, que no estes contenta con tu cuerpo ya que no has conseguido estar como la chica del anuncio.

     

    Otra publicidad que está arrasando en el mercado es DOVE, ya que usa a mujeres normales para sus campañas publicitarias y esto hace que las mujeres confien más en sus productos ya que se ven reflejadas como prototipo de mujer.

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    La imagen del hombre en la publicidad es muy diferente a la de la mujer.

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    ¿Por qué en la publicidad sí vemos esto…

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    y no esto…? 

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    Hay que intentar que los niños hagan una trabajo limpio y no cutre porque así se extiende en la sociedad y se lo aplicamos a todo.

    La presencia es muy importante, por eso un trabajo que este bien hecho hace que el niño esté satisfecho.   

     Sonic y Colas               foto-0861